Opernblog

 

In einer Wiederaufnahme ist der Fidelio von Ludwig van Beethoven im Münchner Nationaltheater zu sehen. Calixto Bieito hatte im Jahre 2010 einen philosophischen Ansatz verfolgt und lässt die Darsteller durch ein dreiteiliges, drei Etagen hohes Plexiglaslabyrinth laufen. Deutlich ist immer wieder das Klicken der Sicherheitshaken zu hören. Das Labyrinth ist hier ein gedankliches Gefängnis von Rocco, in dem die Figuren bis zum Schluss herumirren. Es soll die aussichtslose Suche nach einem Ideal verkörpern. Von den Texten hat man fast alle Sprechpassagen gestrichen und gegen Gedichte von Jorge Luis Borges oder Cormac McCarthy getauscht. Das führt dazu, dass die einzelnen Nummern der Oper relativ flüssig hintereinander folgen. Beethovens einzige Oper setzt dabei die Stimmen sehr instrumental ein, was für die Sänger eine Herausforderung ist. Auf Atmung und Pausen, die eine Stimme benötigt, werden vor allem bei der Partie der Leonore, wenig Rücksicht genommen. Die Vorlage ist ein Roman der „Leonore“, die auf einer angeblich wahren Begebenheit in der Touraine basiert. Pikanterweise war er während der Französischen Revolution selbst ein Mitglied der Justiz. Für die Figur des Don Pizarro war wohl der skrupellose Konventskommissar Carrier das Vorbild, der 1793 in der Vendée Angst und Schrecken verbreitete.

Zu Beginn der Oper kommen die Gefangenen aus dem Orchestergraben. Während der Ouvertüre Leonore 3 erklimmen die Sänger, mithilfe der Sicherheitshaken, das Plexiglaslabyrinth. Zu sehen ist auch ein Double von Florestan, der ebenfalls durch das Gestänge irrt. Leider bringt das planlose Laufen im Labyrinth etwas Unruhe in die Musik, die mit 14 Minuten eine eigene Symphonie ist. Leonore verwandelt sich in Fidelio, indem sie sich vor dem Publikum ihre Brust mit Toilettenpapier bindet. Als junger Mann Fidelio erhofft sie, sich Zugang ins Gefängnis von Rocco zu erlangen. Marzelline verliebt sich sofort in diesen jungen Mann und lässt ihren Jaquino dafür stehen. Der Kerkermeister Rocco heißt nach etwas hin und her, die neue Verbindung seiner Tochter gut. Mit Haken aneinandergekettet singen sie die ersten Arien. Der Vater als Banker verkleidet, meint aber, dass es auch noch etwas ‚Gold‘ für eine glückliche Beziehung braucht, und plündert einen Geldkoffer mit Dollarscheinen. Rocco macht aber zur Auflage, dass ich Fidelio einem gewissen Gefangenen nicht nähern darf. Jetzt erscheint Don Pizarro, der Gouverneur des Gefängnisses. Der Hass gegen alle Menschen entlädt sich in Selbstverletzung und er ritzt sich bei der Arie "Ha, welch ein Augenblick!" selbst in Arme, Kopf und Brust. Er kann Florestan nicht am Leben lassen, da sein Freund der Minister Don Fernando, ihn begnadigen würde. Die Aufforderung, Florestan umzubringen kann Rocco abwehren, allerdings muss er für Florestan ein Grab schaufeln. Fidelio hat bei der Aktion einen halb leeren Kanister mit blauer Säure dabei. Fidelio bitte nun Rocco, dass die Gefangenen ans Tageslicht dürfen. Ein Gefangener singt stehend am Abgrund einer Arie, während sich ein Zweiter wenig später im Hintergrund mit dem Karabinerhaken erhängt. Die Gefangenen sind dabei in Anzügen gekleidet, müssen aber wenig später wieder zurück in den Kerker. Fidelio hat unter ihnen ihren Mann nicht entdecken können.

Im zweiten Akt ist das Opernhaus von einem dunklen Grollen erfüllt. Das Labyrinth kippt langsam. Gefangene schweben dabei an Seile gesichert über dem gekippten Aufbau. Fidelio hat eine Flasche Hochprozentiges dabei und bringt Florestan etwas Brot mit. Florestan liegt dabei im Fieber am Bühnenrand und wird von Fidelio und Rocco über die Bühne geschleift. Der Text macht da eine uncharmante Anspielung auf Florestans Gewicht. Don Pizarro wird von Florestan zur Rede gestellt. Fidelio greift ein und zerschlägt zuerst eine Flasche auf Pizarros Kopf. Dann überschüttet er ihn mit Säure. Unterdessen scheint sich Florestan mit dem Messer selbst zu richten. Fidelio und Florestan ziehen sich auf offener Bühne um. Es folgt eine Erlösungsszene bei der vier Streicher in Gitterkäfigen aus dem Bühnenhimmel herabschweben und das Streichquartett Opus 132 in Auszügen zum Besten geben. Dieser ‚Heilige Dankgesang eines Genesenen an die Gottheit‘ bildet einen spirituellen Einschub, sodass man nicht weiß, ob Fidelio seine eigene Befreiung wirklich noch erleben durfte. Es folgt die Befreiungssequenz durch den Minister Don Fernando. Dieser tritt als Batman-Joker-Verschnitt mit einem weißen Anzug auf. Unterstützt wird er durch die Anwesenheit von Eva Wagner-Pasquier in der Loge. Trompetenschall kündigt die Befreiung der Gefangenen an. Der Minister erkennt seinen Freund. Aber der Joker, wäre nicht er, wenn er nicht zum Schluss noch eine Überraschung parat hätte und mit einer Pistole Florestan ein weiteres Mal tötet. Über der ganzen Szene schweben Akrobaten. Aber keine Angst, Florestan steht wieder auf. Genauso wie das Labyrinth hinter ihm.

Man mag von Bieitos Fidelio-Deutung halten, was man mag, musikalisch gab es an dem Abend nichts auszusetzen. Anja Kampe als Leonore war an diesem Abend sehr gut und man hatte den Eindruck, dass sie seit 2010 besser mit der Partie umgehen kann. Günther Groissböck verlieh dem Rocco eine sympathische Note. Auch Jonas Kaufmann als Florestan war sehr gut. Das alles wäre nichts ohne die Glanzleistung des Bayerischen Staatsorchesters unter der Leitung von Kirill Petrenko, für den der Jubel an diesem Abend nicht enden wollte.

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Von • Gallerien: Kultur, Oper

Seit 1995 stand schon keine Händel-Oper mehr am Programm des Staatstheaters. Zusammen mit der französischen Künstlergruppe le lab hat man den Xerxes vom Hellespont an den Nürnberger Kornmarkt verlegt. Die Künstlergruppe verknüpft historische Werke mit der Stadt, in der sie aufgeführt werden. In Nürnberg waren es die Skater am Kornmarkt, die es ihnen angetan hatten. Jetzt mag man zunächst keinen Bezug zwischen Skatern und der Hochkultur des Staatstheaters sehen. Xerxes selbst ist auch bei Händels Vorlage nur ein Ankerpunkt und hat mit dem historischen Xerxes wenig zu tun. Allerdings greift der Komponist zwei Anekdoten aus Xerxes Leben auf. So soll er sich in eine Platane verliebt, diese geschmückt haben und mit Wächtern bewacht. Die zweite Anekdote ist, dass er das Meer auspeitschen ließ mit 300 Soldaten, da es seine Penton-Brücke über den Hellespont zerstört hat. Irgendwann in der Inszenierung, als in der zweiten Hälfte Tücher über die Halfpipe gespannt sind, dämmert es einem. Die Halfpipe ist in Wahrheit der stilisierte Hellespont, also die Meerenge zwischen Griechenland und der Türkei, mit türkischer und griechischer Flagge, an der die Oper eigentlich spielt. In dieser Halfpipe tummeln sich drei Skater vom Kornmarkt und zeigen ihre Tricks.
Jetzt hat man mit der Oper das Problem, dass der eigentliche Hit, das ‚Ombra mai fù‘ gleich am Anfang des ersten Aktes kommt. Dieses wohl, als Händels Largo, bekannteste Stück der Oper ist eigentlich ein Larghetto und wird in der Oper schneller gesungen. Es kommt hier auch als Ode an ein Stück Holz auf die Bühne. Besungen wird von Xerxes statt einer Platane aber ein Skateboard. Dann nimmt eine ziemlich verwickelte Handlung Fahrt auf, die an eine Vorform von ‚Così fan tutte‘ erinnert. Es geht in der Oper fast drei lange Stunden darum, wer wen liebt oder auch nicht. Als nicht Händel-affiner ist man da oft geneigt, auf die Uhr zu sehen. Auch wenn auf hervorragendem Niveau musiziert wird, es bleiben doch lange Barock-Da-Capo-Arien.

Xerxes liebt zuerst die Platane, dann die Stimme von Romilda, dann Romilda selbst. Diese wiederum ist die Geliebte seines Bruders Arsamene. Arsamene ist ein blonder Countertenor mit gelben Strümpfen, grüner Jogginghose und Sandalen. Dazu trägt er eine himmelblaue Jacke. Es gibt aber noch Atalanta, die ebenfalls Arsamene liebt und darauf baut, dass Xerxes endlich Romilda bekommt. Atalanta und Romilda sind die ungleichen Schwestern. Während die eine rothaarig mit Sonnenbrille und türkiser Jogginghose mit ‚R‘ daherkommt, hat die Zweite Hotpants an und eine Schirmmütze auf. Atalantas Auftritt wird von einer Selfie-Einlage mit den Skatern eröffnet. Zwischen den beiden Schwestern bricht ein wahrhafter Zickenkrieg aus, wutentbrannt legen die ihre Roller gegeneinander und singen sich heftig an. Atalanta behauptet nämlich Arsamene hätte eine neue Geliebte.

Im zweiten Akt bringt der Diener Elviro noch mehr Verwirrung in die Szene. Der eigentlich angetrauten Amastre erzählt er von der geplanten Hochzeit zwischen Xerxes und Romilda. Er soll einen Brief in Form einer langen Karte übergeben, der eigentlich von Arsamene ist und von der Liebe zu Romilda zeugt. Atalanta behauptet Romilda hätte sich wirklich in Xerxes verliebt und als Xerxes den Brief findet, sagt Atalanta einfach, der wäre an sie gegangen.
Nach der Pause sieht man Tücher über die Halfpipe gespannt. Das ist also die Szene am Hellespont. Richtig erklären tut sich eigentlich erst jetzt, was das mit der Halfpipe soll, nämlich als Elviro vom kalten Wasser singt und den Fuß in die Halfpipe hängt. Die gespannten Tücher symbolisieren die Penton-Brücke, mit der der Hellespont überquert wird. Es folgt wieder einer dieser Videoeinspielungen vom Kornmarkt mit den Skatern. Darin geht es um Skater und Romantik.

Im dritten Akt nun nimmt nun endlich etwas Fahrt auf, als Ariodate sich in die Verwirrrungen eingreift und Xerxes die Einheirat seiner Tochter Romilda in Xerxes Familie verspricht. Dabei bringt Ariodate in Wirklichkeit Romilda und Arsamene zusammen. Als Xerxes nun dies erfährt, tobt er vor Wut. Dabei wechselt er häufig zwischen Sprechstimme und Singstimme, was der Entrüstung noch mehr Nachdruck verleiht. Er besteht darauf, dass der Liebesverrat von Romilda an ihm durch seinen Bruder gerächt werden soll. Jetzt fragt Armastre nach, ob es Xerxes mit der Forderung wirklich ernst ist. Eigentlich hätte Xerxes ja sie betrogen. In einem großen Finale finden dann Romilda/Arsamene und Xerxes/Amastre zueinander.

Von der Kostümierung haben die meisten Sänger Streetwear und Jogginghosen an, wobei ich nicht so weit gehen würde, dass diese Menschen die Kontrolle über ihr Leben verloren hätten, wie Karl Lagerfeld zu sagen pflegt. Im Gewusel der Beziehungen fällt es nicht leicht, den Überblick zu behalten, wer jetzt wen liebt und wen gerade nicht. Eine Grafik im Programmheft soll dies veranschaulichen. Was die Oper meiner Meinung nach eindeutig rettet, sind die Inszenierungseinfälle. Le lab hat hier wirklich eine interessante Arbeit abgeliefert und ich finde auch, man darf Händel durchaus so auf die Bühnen bringen. Im Fieber der Hormone ist die Handlung zeitlos und nicht fix an 453 v. Chr. zu verorten. Ob man an langen Händelarien über drei Stunden gefallen findet, ist Geschmackssache. Die Handlung zwischen den einzelnen Arien ist doch recht übersichtlich. So vermutet man ein frühes Libretto im 17. Jhd oder Händel selbst als Librettist. Zvi Emanuel-Marial ist für einen Countertenor relativ durchschlagsstark, auch Andromahi Raptis als Atalanta weiß zu gefallen. Im Orchester sitzt ein ungewohnter Mix aus alten und neuen Instrumenten, einigen Lauten und Schlagwerk inbegriffen. Die Klänge erinnern noch etwas an die vergangene Renaissanceepoche, es gibt aber durchaus Verweise in die modernere Musik. Durch Videoeinspielungen mit O-Ton vom Kornmarkt wird die Inszenierung aufgelockert. Ob man das eher überheblich sieht, oder eher ungewollt komisch, ist auch wieder Geschmackssache. Die Sänger tragen jedenfalls ihr Skateboard mit Stolz über die Bühne und bilden sogar damit ein Spalier als Arsamene und Romilda ein Paar sind. Mit Trick-Bikes und Skateboards gibt es immer wieder Einlagen zu instrumentalen Zwischenstücken.

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Otello - Schurken in Sneakers

Amélie Niermeyer verlegt den Otello aus dem 15. Jahrhundert hinein in eine klassizistische „Schöner-Wohnen“-Oase in Grau mit hohen Türen. Dass die Vorstellung im Münchner Nationaltheater seit Langem ausverkauft ist, liegt nicht an der Regie, sondern eher an der stolzen Besetzungsliste. Geben sich doch Jonas Kaufmann, Anja Harteros und Gerald Finley die Ehre dort unter der Leitung von Kirill Petrenko zu singen. Hier macht der Cast die Oper zu einer Pflichtveranstaltung. Vor allem Petrenko versteht es, einen feurigen, glutvollen Otello zu dirigieren und geht schon in der Anfangsszene mit dem Tempo ins Volle. Man konnte die Premiere schon auf BR-Klassik hören und die Oper wurde später auch als Livestream im Internet angeboten. Wer keine der Möglichkeiten ergriffen hat, hat zu den Festspielen im Juli noch einmal die Gelegenheit.

Bei der Sturmszene zu Beginn des Otello läuft eine verängstige Desdemona in ihrem Zimmer auf und ab. Das Licht ist ganz auf das weiße Zimmer gerichtet, in der Dämmerung singt unter ihr der Chor. Die Anlandung von Otellos Schiff im Sturm lässt sich nur durch die Obertitel erahnen. Als er dann gerettet wird und seinen Auftritt mit den Esultate-Rufen hat, wirkt das im Zimmer von Desdemona etwas deplatziert. Otello verschwindet auch relativ schnell wieder, während Desdemona Feuer im Kamin macht. Jetzt wird das Zimmer weggefahren und es kommt die Hafenszene zum Vorschein. Dort sitzt ebenfalls ein Desdemona-Double, das Feuer macht. Bei genauerem Hinsehen ist das aber eine Stuntfrau, die zweimal an den Armen Feuer fängt und im Bühnenhintergrund verschwindet. Unterdessen beraten Roderigo und Jago, wie sie Otello, den berühmten Mohren, zu Fall bringen könnten. Dass der Bösewicht Jago dabei ein legeres T-Shirt trägt und Turnschuhe, macht einen etwas schäbigen Eindruck. Schon jetzt steht von der Regie ein Bett auf der Bühne, wie das allerdings zur Hafenszene passt? Nun gut. Dieselbe Frage stellt man sich kurz später noch einmal bei der Trinkliedszene, als Rodrigo und Jago, Cassio in einem Nietenledersessel mit vielen Flaschen Wein abfüllen. Es kommt zum Streit zwischen Roderigo und Cassio. Montano geht dazwischen und trennt die Kämpfenden, wird dabei aber verletzt. Nun taucht Otello wieder auf und stellt die Ruhe wieder her, indem er Cassio degradiert. Dann kommt auch das Bett zum Einsatz, als Desdemona und Otello ihrer Liebe gedenken. Dass Desdemona da Otello an der Krawatte ins Bett zieht, ist auch etwas unpassend.

Im zweiten Akt fragt man sich dann, warum Desdemona im Bühnenhintergrund zu sehen ist. Eigentlich haben nur Cassio und Jago das Sagen. Jago rät Cassio, bei Desdemona um Unterstützung für seine Rehabilitation zu bitten. Dabei rechnet er mit der Eifersucht Otellos, der in Cassio sicher einen Nebenbuhler sieht. Jago enthüllt seine nihilistische Weltanschauung in einem Credo. Was Finley da an Grimassen zieht, ist umwerfendend. Er steigt in das Bett und singt von der Sinnleere des Lebens und dass es keinen Gott gibt. Jago versteht es im Folgenden, durch Andeutung bei Otello, dessen Eifersucht gegen Cassio zu entfachen. Dieser fordert einen Beweis. Es folgt eine Sequenz voller Friedlichkeit, bei dem die Frauen und Kinder Zyperns Blumen für Desdemona bringen. Desdemona wird mit verbundenen Augen hereingeführt. Ein kleines Kind schubst dabei Otello auf die Seite und Jago führt Desdemona zum Bett. Auch Jago hat inzwischen ein Tüllkleid an. Auf dem Bett legen die Frauen die Blumen ab und der Auftritt erinnert eher an eine Beerdigungsszene. Dennoch scheint zwischen Otello und Desdemona wieder eine Art Harmonie zu herrschen. Als der Chor verschwunden ist, merkt man, dass der Eifersuchtssamen von Jago keimt. Auch hier treibt sich Jago herum und entreißt Emilia ein Taschentuch, was er später als Beweis von Desdemonas Untreue verwenden wird. Das Duett zwischen Otello und Jago findet ebenfalls wieder stehend auf dem Bett statt.

Im dritten Akt befindet man sich in einem zweigeteilten Raum. Hinten ein weißes Zimmer und vorne ein graues. Desdemona tritt in einem schwarzen Hosenanzug ganz als selbstbewusste Dame auf. Otello fordert nun von Desdemona das Taschentuch ein, das er ihr einst geschenkt hat. Als sie das nicht vorweisen kann, beschimpft er sie. Wieder sind beide in einem Bett zugange und schmiegen sich aneinander. Das Ganze kippt aber auch relativ schnell, sodass Otello eine Umarmung auch mal schnell zu einem Klammergriff umfunktioniert und sie als Hure beschimpft. Eigentlich dürften jetzt in der folgenden Szene nur Cassio und Jago zu sehen sein. Otello müsste sich im Hintergrund halten und sie Szene belauschen, in der Cassio von Bianca schwärmt. Durch geschickte Einwürfe von Jago meint Otello aber, dass Cassio von Desdemona schwärmt. Hier lässt die Regie Otello hemmungslos umherlaufen und auch Desdemona hört vom Hintergrund aus zu. Otello fasst den Plan, Desdemona im Bett zu erwürgen. Bei der folgenden Sequenz mit der Gesandtschaft von Venedig kommt es erneut zu einem Ausbruch von Otello. Otello setzt, Desdemona beschimpfend, Cassio als Vertreter von Zypern ein. Auch hier steht wieder rein zufällig ein Bett herum. Otello wirft Desdemona zuerst ins Bett und dann schließlich vor Wut aus dem Bett raus. Desdemona weiß nicht, so recht, wie ihr jetzt geschieht. Nur durch einen Spot erleuchtet singt sie verzweifelt von der Liebe zu Otello. Die Gesandtschaft löst sich auf. Der Raum dreht sich jetzt durch eine geschickte Projektion. Otello scheint dabei jeden Halt zu verlieren. Er ist am Schluss am Boden und Jago triumphiert.

Im letzten Akt hat Desdemona im Schlafgemach Todesahnungen. Sie bittet das weiße Kleid herauszulegen, und verabschiedet sich für immer von Emilia. Das nun folgende Lied von der Weide ist wirklich sehr ergreifend. Emilia verschwindet schließlich und es taucht Otello auf mit einem Blumenstrauß. Diesen verteilt er auf dem Bett. Er bereitet sozusagen das Totenbett für Desdemona vor. Nur seltsam, dass die Regie nun befiehlt, Desdemona nicht im Bett, sondern daneben umzubringen. Als der Mord passiert ist, kommt Emilia dazu und sagt, dass der Mordplan an Cassio von Otello fehlgeschlagen ist. Roderigo, der Freund Otellos ist ermordet worden. Dass Desdemona, obwohl erwürgt, noch Otello entschuldigt und singt ist halt echt Oper. Jetzt lässt die Regie das Zimmer mit der erwürgten Desdemona wegfahren. Die Hauptpersonen stehen etwas beliebig auf der Bühne, als es zum Showdown kommt und Emilia aufdeckt, dass die Nummer mit dem Taschentuch von Jago eingefädelt wurde. Otello stürzt sich ins Messer. Auch hier verweigert die Regie dem Otello den letzten Kuss mit seiner doch geliebten Desdemona und lässt ihn stattdessen in die Kissen singen.

Musikalisch spielt dieser Otello auf einem ganz hohen Niveau. Das merkt man auch im Schlussapplaus, als vor allem das Dirigat mit vielen Bravorufen bedacht wird. Finley als Jago ist ungemein spielfreudig und einfach die dankbarere Rolle in diesem Stück. Über die fehlende Lockenpracht bei Kaufmann wurde ja schon viel geschrieben, mir hat er als Otello stimmlich gefallen. Auch Anja Harteros hat es verstanden als Desdemona, das Opernhaus mit ihrer Sopranstimme zu betören. Bleibt als einziger Minuspunkt an dem Abend eigentlich die Regie, mit der ich etwas gehadert habe. Es stehen Leute auf der Bühne, die zu dem Zeitpunkt nicht zu sagen haben und die Geschehnisse eigentlich nicht mitbekommen. Das Thema Andersartigkeit des Otello wird so dezent übergangen, dass man eigentlich nur aus den Obertiteln den Bezug bekommt, dass Otello eigentlich schwarz ist. Auch die Verlegung in ein anderes Zeitalter tut der Geschichte nicht unbedingt gut. Eine Mitbesucherin meinte, dass Bühnenbild wäre sehr schwarz geraten und ich musste ihr da auch Recht geben. Etwas mehr Farbe in der Szene wäre nicht verkehrt gewesen.

Quelle: YouTube | Bayerische Staatsoper

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Hoffmanns Erzählungen - Alle 4 in Berlin

Foto: Sandra Ott

Zu einer Aufführung von Hoffmanns Erzählungen von Jacques Offenbach bin ich nach Berlin an die Deutsche Oper gefahren. Zu sehen ist dort in einer Wiederaufnahme eine Inszenierung von Laurent Pelly, die schon 14 Jahre alt ist, aber schon weltweit gezeigt wurde (Barcelona, Lyon, San Francisco). Auch wenn man die Regie als etwas konservativ bezeichnen mag, so wird sie doch dem Stück sehr gut gerecht. Und die Art und Weise, wie Laurent Pelly die Chöre über die Szene bewegt, ist typisch und schon aus so Inszenierungen wie der Regimentstochter bekannt. Das Besondere an der Inszenierung: Alle vier Frauenrollen werden von derselben Sängerin gesungen, nämlich Cristina Pasaroiu. In den Textpassagen wird von den drei Abenteuern des Hoffmann gesprochen, dass es sich eigentlich immer um dieselbe Frau dreht, dennoch sind die stimmlichen Anforderungen an die Hauptdarstellerin weit auseinander. So muss man erst eine Sängerin finden, die sowohl Koloratur- , Lyrischer und Dramatischer Sopran ist.

Die Szene beginnt links am Bühnenrand mit einem am Boden liegenden Hofmann. Die Muse, die in der folgenden Oper schützen soll, kriecht aus dem Bühnenboden und verwandelt sich in den männlichen Begleiter Nicklausse. Der Chor stimmt derzeit ein lustiges Trinklied an (Gluck, Gluck, Gluck), ist aber schon mit rot beleuchteten Masken etwas gruselig. In der Oper tritt auch immer wieder der Teufel auf und treibt in verschiedenen Rollen sein Unheil. Schon am Anfang steht er vor zwei unterschiedlichen großen Türen als Lindorf. Die Szene wechselt zu einer Art Garderobe mit verschiebbaren Sitzmöbeln und einer Hutablage. Hoffmann stimmt das Lied von Klein-Zack an, das ihn vor der letzten Strophe in eine Traumwelt mit drei Episoden mit Frauengestalten abgleiten lässt. Eigentlich warten die Herren auf die Aufführung von Mozarts Don Giovanni, in der die Sängerin Stella einen Auftritt hat.

Bei der ersten Frauenfigur handelt es sich um Olympia. Olympia ist das Geschöpf Spalanzanis und eigentlich eine Puppe. Am Anfang sieht man eine Experimentierkammer des Physikers mit Starkstromleitungen und seitlichen Rängen. Diese Szene schließt sich relativ schnell und man ist wieder außen vor der Fensterfront des Labors. Dort blickt Hoffmann sehnsuchtsvoll nach seiner geliebten Olympia. Dieser fehlen aber noch die Augen, die ihr ein dämonischer Kaufmann Coppélius gegen einen Wechsel verkaufen will. Nicklausse warnt Hoffmann vor Olympia, die nur dümmliche Antworten geben wird. Dabei äfft er die Puppe nach. Der Coppélius, der nun erscheint, hat in seinem Wams eine ganze Sammlung von Augen. Das Geschäft zwischen Spalanzani bleibt im Dunkeln und schließlich kauft Hoffmann für drei Dukaten die Augen vom Teufel. Die Szene öffnet sich wieder und man befindet sich im Labor. Der Laborhelfer stellt die Puppe vor. Diese bewegt sich auf einem mechanischen Hebekran synchron zu den Koloraturen auf und ab. Zweimal wird diese Puppe während der Arie aufgezogen. Gegen Ende der Arie fährt der Kran mit der Sopranistin Karussell und die letzten Töne singt diese frei schwebend über den Orchestergraben. Hoffmann ist schließlich mit Olympia alleine, aber sie gibt nur ein einsilbiges „Qui-Qui“, von sich. Es kommt zu einer Massenszene, wo Hofmann mit Olympia Walzer tanzt. Dabei steht Olympia auf Inline-Skates. Der Walzer wird immer schneller und Olympia ist am Ende defekt. Zerlegt in Einzelteilen kommt sie als lebensgroße Puppe auf die Bühne. Der Kopf wird vom Rumpf getrennt und Hofmann liegt ratlos vor der zerlegten Olympia, Coppélius holt sich seine Augen wieder.

Die zweite Frauenfigur ist Antonia. Sie blättert in alten Noten und singt von ihrer Liebe zu Hoffmann. Antonias Mutter sei wohl am Gesang gestorben, Antonia hätte die tödliche Krankheit ererbt. Ihr Vater verbietet ihr das Singen daher. Er steht auch im Kontakt mit einem mysteriösen Arzt dem Dr. Miracle, der auch Antonias Mutter kuriert hätte. Der Gehilfe Franz macht am Anfang der Szene Ballettübungen an einem Geländer. Man befindet sich in einem großen Treppenhaus. Oben sieht man eine Tür mit einem Geigenzimmer. Antonias Vater ist Geigenbauer und will hinter das Geheimnis des Geigenklangs kommen. Eine Geige bringt Antonia hoch ins Zimmer, die noch zerlegt werden soll. Auf zwei Treppenhälften singen Hoffmann und Antonia sich an. Hoffmann versucht Antonia nun mitzunehmen und hinter das Geheimnis zu kommen, weshalb Ihr Vater ihr das Singen verbietet. Er belauscht eine Unterhaltung mit dem diabolischen Arzt, der ihm eine grüne Tinktur empfiehlt. Das Treppenhaus ist verschiebbar und erinnert etwas an die Hogwarts Treppenhäuser in Harry Potter. Mit kreiselnden Spiralen und einem Ritt auf der Lampe beschwört Dr. Miracle den Vater Antonias, ihr die Medizin zu geben. Mit seinen magischen Kräften öffnet der Dr. Miracle nun die Tür und prophezeit Antonia einen frühen Tod mit 20, wenn sie weiter Singen würde. Schon etwas angegriffen trifft sie Hoffmann, der ihr den Schwur abnimmt, dem Singen und jede Art von Auftritten zu entsagen. Der Teufel holt eine negative Projektion der Mutter heraus, die nach ihrer Tochter ruft. Faszinierend, wie der Teufel die Türen wechselt und von unterschiedlichen Ecken der Bühne aufbraucht. Entkräftet stirbt nun Antonia. Am Ende liegt sie wieder in dem Zimmer, wo Hoffmann und Nicklausse sie nochmals treffen. Antonias Vater beschuldigt Hoffmann schuld am Tod seiner Tochter zu sein. Auch die lyrische Figur von Antonia überlebt den Akt nicht.

Die letzte Frauenfigur ist die Kurtisane Guiletta in Venedig. Man hört gleich zu Anfang die bekannte Barcarole. Es wird ein Palazzo angedeutet mit wehenden Vorhängen. Guiletta singt auf einem Sessel. Schlemihl hätte Dapertutto seinen Schatten verkauft. Diesen will er wiederhaben. In einem Duell sticht Hoffmann Schlémil nieder. Gegen Diamanten verspricht Guiletta Dapertutto, das Spiegelbild des Hoffmanns zu besorgen. In einem großen Monitor an der Decke und geschickten Projektionen sieht man, wie das Spiegelbild Hoffmanns verschwindet. Es kommt der Chor auf die Bühne mit kleinen Spiegeln in der Hand und bedrängt Hoffmann. Der Teufel triumphiert mit Guiletta, die am Ende von Hofmann mit dem Degen erstochen wird. Der ist inzwischen in Verzweiflung und flüchtet.

Wie aus einem Fiebertraum erwacht ist Hoffmann wieder im Keller von Lutter und Wegner. Der Herrenchor stimmt wieder das Trinklied an. Hofmann beendet das Lied von Klein-Zack. Stella beendet ihren Auftritt im Don Giovanni und Hofmann weißt sie zurück. Nicklausse verwandelt sich in die Muse zurück. Hoffmann und die Muse, kauern am linken Bühnenrand und die Oper endet, wo sie vor vier Stunden begonnen hatte.

Mir hat es wirklich gut gefallen. Um die Geschichte der unvollendeten einzigen Oper von Jacques Offenbach ranken sich Unheilsgeschichten. So werden die beiden Brände in der Oper von der der Opera Comique und der Wiener Ringbrand mit dieser Oper in Verbindung gebracht. Daher haftete der Oper der Dünkel an, Unheil zu verbreiten. Alex Esposito schafft es, mit den Regieeinfällen von Laurent Pelly, wirklich eine beklemmende Stimmung zu verbreiten. Ob das alles nur ein Traum von Hofmann um eine Frauenfigur war, oder ob sich jetzt alles nur um dieselbe Frau gedreht hat, bleibt letztendlich offen. Die Rolle der Frauenfiguren mit nur einer einzigen Sängerin zu besetzen, wie das in Lyon ebenfalls der Fall war, ist ein Herausforderung an die Darstellerin Cristina Pasaroiu, die in den drei Akten ganz unterschiedliche Stimmaspekte präsentieren muss. Die kräftezehrende Rolle des Hoffmann hat Johannson gut bewältigt. Blass geschminkt hat er wirklich einen überzeugenden Dichter geliefert. Alex Esposito als Teufel in den unterschiedlichen Rollen, versteht es, Grusel zu verbreiten. Mir hat die Aufführung dort sehr gut gefallen, auch was Laurent Pelly dort als Regiearbeit abgeliefert hat. Man kann jetzt bemängeln, dass die Oper mit zwei Pausen und den etwas länglichen Dialogen etwas zu einem XXL-Format ausufert. Letztlich stimmt meiner Ansicht nach das Ergebnis.

Quelle: YouTube | Deutsche Oper Berlin

Von • Gallerien: Kultur, Oper • Tags: Hoffmanns Erzählungen

In einer Übernahme aus der Oper Dortmund aus dem Jahr 2013, wird in Nürnberg die Oper von Mark-Anthony Turnage gezeigt. Diese Oper erzählt die Lebensgeschichte von Anna Nicole, einem amerikanischen Marilyn-Monroe-Abklatsch aus den 90ern. Die Oper spult dabei die Vita als Aneinanderreihung von Fakten ab. Der Stoff über Brustvergrößerung, Trash-TV, Fast-Food und die Folgen ist eigentlich nur bedingt operntauglich. Gesungen wird dabei in vulgärem Englisch mit etlichen Fluchworten drin, was aber bei Weitem keine Witzigkeit wie bei einer „My Fair Lady“ hat, sondern eher zum Fremdschämen und Wegsehen geeignet ist. Das Bühnenbild ist aus grauen Platten, einer Leichenhalle ähnlich. An der Decke hängt ein Neonstern. Um den Orchesterraum umlaufend ist ein Steg, auf dem die Akteure bisweilen singen. Das ist vor allem aus dem dritten Rang oft schwer einzusehen, was am vordersten Bühnensteg passiert. Die Oper sieht sich als Kritik am amerikanischen Traum und zeichnet den Lebensweg von einer texanischen Kleinstadt in die amerikanische Großstadt der Anna Nicole Smith nach. Berühmt wurde die Hauptfigur durch ihre künstlich aufgepumpte Doppel-D-Oberweite, der Heirat mit dem Milliardär Howard Marshall II, den folgenden Rechtsstreitigkeiten und eine On-Demand-Soap über ihr Leben. Schon mit 39 Jahren endet dieser amerikanische Traum mit Suff und Drogentod.

In den 16 Szenen beginnt die Handlung auch da, wo sie endet: In einem Leichenschauhaus. Aus der Frischhaltepackung entsteigt eine blonde Anna Nicole. Sie erzählt ihre Lebensgeschichte und beginnt in der Kleinstadt Mexia in Texas. Der Chor und einige künstliche Kakteen auf der Bühne verwandeln das Leichenhaus in die Kleinstadt. Mit einem geringen Schulabschluss, jobbt sie in Jim’s Krispy Fried Chicken. Sie hat eine Affäre mit einem Schläger, der dort arbeitet und von dem sie ein Kind bekommen hat, nachdem sie die Anti-Baby-Pille die Toilette runtergespült hat. Ihr Sohn Daniel ist während der ganzen Oper ihr ein und alles. Jedoch landet das Kind meist bei der Oma, die als Sitten-Cop über die Bühnen fegt. In einer Art Familienaufstellung sieht man ihre ganze Verwandtschaft, die sozial schlecht gestellt ist. Sie geht den Weg in die große Stadt Houston. Dort scheint sie sich erst im Niedriglohnsektor als Verkäuferin durchzuschlagen. Jedenfalls wir der Orchesterraum von drei Einkaufskörben und Statisten mit Smiley-Masken umkreiselt. Letztendlich landet sie in einem Private-Club als Pole-Tänzerin. Dort wird ihr erklärt, wie man die Männer anbaggert. Im Hintergrund befinden sich drei Pole-Tänzerinnen mit hochhackigen Plexiglasschuhen. Die Tänzerinnen haben kurzes Neon-Outfit an, was typisch 90er ist. Jedoch hat Anna Nicole keinen großen Erfolg. Man klärt sie auf, dass das mit ihrer Oberweite zu tun hat, die nur B-Größe ist. Es kommt zum entscheidenden Wendepunkt in ihrem Leben. Ein aufgedrehter Arzt rät ihr zur Oberweite Doppel-D. Die Szene über die Brust-OP ist besonders kurios, da dort eine Reihe von Damen auf ihren Termin warten und sich alle durch ihre geringe Oberweite benachteiligt sehen. Die Nachteile der OP kommen sofort: Sie dürfte nicht mehr stillen und müsse fortan zwei Pillen gegen die einsetzenden Rückenschmerzen durch die neu erlangte Oberweite nehmen. In ihrem Rückblick sieht sie das als Fehler an. Plötzlich taucht in einer Art Flash-Forward ein Anwalt auf, den sie in den zweiten Akt verweist. Er wäre noch nicht dran. Der Erfolg in der Pole-Show stellt sich ein und sie trifft mit 24 ihren Ehemann Howard Marshall II, der in einem amerikanischen Rollstuhl auf die Bühnen kommt. Der hat zwar viele Milliarden, ist aber schon 89 Jahre. Es wird einem auch die Peinlichkeit eines öffentlichen Blowjobs durch Anna Nicole nicht erspart. Dafür bekommt sie dann vom Ehemann Juwelen und eine kitschige Hochzeit in Weiß.

Der zweite Akt beginnt mit Rosenblättern und einem roten Teppich. Man erlebt eine Party mit Alkohol und Koks. Ihr Ehemann überlebt diese Ehe genau ein Jahr, dann sinkt er in einen zweigeteilten, silbernen Saal. Es beginnt ein Streit der Erben um die 500 Millionen Dollar, die er an Vermögen hatte. In der Folge hat Anna Nicole eine Affäre mit dem Anwalt, der sie beim lange andauernden Rechtsstreit vertritt. Es folgt der legendäre Auftritt in der Larry King Show im Jahr 2002. Dort lässt sie ihre Lieblingshunde per Smartphone bellen. Der teure Rechtsstreit bringt sie wieder in finanzielle Nöte. Inzwischen ist der Sohn ebenfalls drogenabhängig. Ein vermeintliches Kind mit dem Rechtsanwalt wird in eine Daily-Soap on Demand vermarktet und bringt wieder Geld. Der Anwalt vermarktet die Geburt ihrer Tochter mit einem Camcorder. Anna Nicole leidet immer wieder unter Fressattacken, die mit einem tanzenden Pizzalieferservice dargestellt werden und vielen Pappschachteln. Daniel kommt eines Abends zu ihr zu Besuch und stirbt an einer Überdosis Drogen auf ihrer Couch. Auch diesen Schicksalsschlag wird mit Videos dokumentiert. Kurze Zeit stirbt sie selbst an einer Überdosis mit 39 Jahren. Den Tod ihres Sohnes Daniels hat sie nicht überwunden. Im Abgesang klettert sie zurück in den Sack mit den Worten: Blow me a …. Kiss.

So sehr jetzt der Ansatz zu loben ist, einmal einen modernen Stoff in die Oper aufzugreifen, so wenig stimmt meiner Meinung nach das Resultat. Der massive Wechselgesang zwischen lauten, dissonanten Chören im ersten Akt ist sehr anstrengend. Es gibt sogar Walzeranklänge im zweiten Akt, die aber schnell wieder durch jazzige Elemente unterbrochen werden. Den Slang, der dort gesprochen wird, ist ebenfalls nervend. Hochkultur und Schimpfworte, das passt meiner Meinung gar nicht. Die Geschichte wird in einer Aneinanderreihung von Fakten erzählt, ohne wirkliche Spannung aufzubauen. Das kommt insgesamt doch sehr trocken rüber und man vermisst dramatische Entwicklungen. Nicht dass ich gegen moderne Opern oder Musik bin: John Adams‘ Death of Klinghofer über die Entführung der Achille Lauro fand ich genial. Dennoch ist diese Oper bei mir gar nicht angekommen, sodass ich versucht bin, ihr eine goldene Himbeere zu verleihen. Weder musikalisch, noch von der Story über Brust-OPs hat das irgendwie gegriffen. Die Oper hat bei mir keinen Blumentopf gewonnen.

Quelle: YouTube | Staatstheater Nürnberg

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